Estrenos

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La biblioteca de los libros olvidados

La contraposición entre la ficción (o el mito literario) y la realidad, como dos posturas en pugna o que podrían hibridarse, en el sentido de que la realidad tiene estructura de ficción. Al menos ese es el debate que pone en escena La biblioteca de los libros olvidados. El film es la adaptación de la novela homónima del escritor francés David Foenkinos y se construye como una variante del código de un policial de enigma (al cual el título original, Le mystère Henri Pick, hace referencia), aunque narrado en clave de comedia, donde el misterio está en averiguar quién escribió verdaderamente la novela. La biblioteca de los libros olvidados, a diferencia de las trilladas y convencionales comedias de enredo francesas que solemos ver en los estrenos de los jueves, funciona gracias a un guión consistente y original desde el policial de enigma, que como a los protagonistas, consigue insuflar, por medio de la comedia, una vitalidad que últimamente había perdido.

No Estrenos

 Recientes

The nightingale

Jennifer Kent se hizo popular por Babadook, una película imperfecta y con algunos memes argumentales que lograban enderezarse por su inventiva estética, inspirada en el gótico de los anticuentos de hadas de Tim Burton. Acaso para dar un vuelco a su carrera, la directora filma The Nightingale. Y lo hace con un realismo historicista que desplaza y deja en segundo plano la condescendencia con el arte hipster de su largometraje previo. El cambio de registro brinda, de nuevo, un planteo seductor en una lectura primaria, pero igual de lastrado por una escritura de un melodrama pretencioso de la corrección política, como si el Steve McQueen de 12 años de esclavitud hubiese poseído a la realizadora para rodar un telefilme binario contra la colonización de Australia. Asimismo el tema no es necesariamente el mismo problema del largometraje sádico y semipornográfico de aquel. El problema es que en el fondo tampoco està tan lejos.

Festivales

 Recientes

Las nominadas al Oscar 2020 según Perro blanco

En virtud de que el cine nos importa bastante más que la ceremonia, pero que domingo 9 es un día en el que la ceremonia se impone, les dejamos por aquí los links de las películas nominadas en las diversas categorías que tuvieron su cobertura en nuestras páginas. Son 27 las películas reseñadas. Algunas se repiten en diversas categorías, otras no. Decidimos ordenárselas alfabéticamente y no por categoría, para evitar duplicaciones y confusiones. Esperamos que les sirva para complementar la entrega que sucederá hoy. No, no nos importa demasiado quien gane o quien no a esta altura. Pero si nos interesa que lean lo que escribimos en su debido momento. Y si nos quieren contar sus opiniones mientras vean la ceremonia pueden taggearnos con #PBOscar2020

TV y Series

 Recientes

The Outsider (parte II)

Si la primer tanda de capítulos despuntaba una serie realista, mas cercana al tono de True Detective que a cualquiera de las cosas que Richard Pryce había hecho previamente, a partir del tercio central (que va de los episodios 4 al 6), buena parte de ese verosímil, en tensión entre el mundo de King y el mundo del guionista, se vuelve casi insostenible, en parte por la manera en la que el mundo representado está encarado. Y es que si algo definía a las primeras salidas de The Outsider eso era su condición de serie envuelta en dos mundos, El del realismo sucio pero también el del fantástico, que como hemos dicho una y mil veces, precisa de ambigüedades, de ambivalencia. Esa condición convertía a aquello que veíamos en una narrativa que en ningún momento traicionaba la cosmovision de los mundos que mostraba: por un lado la sordidez realista de las interpretaciones que nos acercaban al abuso infantil y a la pedofilia. Pero por otro, los componentes necesarios de un sistema de intrigas propias del fantástico mas aterrado. Esa indistinción, esa sensación de pertenencia a dos perspectivas inseparables convertían a los primeros capítulos en un camino posible a seguir y a tener en cuenta, algo que los alejaba de la serie-que-quiere-contentar-a-todos para jugarse por un tono sombrío, que poco a poco avanzaba hacia un terreno mas definidamente sobrenatural.

  • Cine Argentino
  • Entrevistas

Familia

La manera en la que Edgardo Castro maneja la mentira del cine en Familia es magistral. Parece simple, parece fácil, pero en realidad es astuta. No se trata de una forma de resucitar los viejos tiempos del más cansado Nuevo Cine Argentino, tampoco se trata de recurrir al borramiento, tan moderno, tan de hoy, entre documental y ficción. Por supuesto, Castro protagoniza la película que dirige, en la que retrata a una familia que es interpretada por los miembros de su propia familia en la vida real. Por supuesto, buena parte de la fuerza de la dinámica que adquieren sus momentos más chispeantes (esto, por supuesto, es una forma de decir) viene del peso que la repetición de esos gestos dejó visiblemente marcada en los cuerpos de quienes estuvieron dispuestos a ponerse frente a la cámara. Esto es innegable. Pero la maestría de Castro no estriba en el simple hecho de haber convencido a sus viejos (cansados, desinhibidos) de hacer para nosotros lo que hacen en un día cualquiera (y que probablemente no difiera mucho de lo que hacen todos los padres de por lo menos cierta edad), sino en la forma de registrarlos.

Entrevista Maria Alché, directora de Familia Sumergida

María Alché se hizo conocida a partir de protagonizar La Niña Santa junto a Mercedes Morán y Julieta Zylberberg. Su carrera promisoria como actriz sin embargo fue virando hacia costados impredecibles como directora de casting, fotógrafa y directora de cortometrajes excelentes como Guliver y Noelia y ahora de un largometraje notable como Familia sumergida. Si uno quisiera hacer paralelos algo caprichosos, podrían decirse que su cine es parecido en ese sentido: películas que parece que van a ir hacia un lugar y luego viran hacia espacios totalmente impredecibles y desconcertantes. Familia Sumergida es, en este sentido, un choque de cosas que se van sucediendo en una película que no parece querer encontrar un centro definido.

  • Podcast
  • Crítica de la crítica

Por qué el cine de superhéroes es un éxito hoy y no lo fue antes? (parte III): perspectivas de futuro

Terminamos con nuestro podcast sobre el cine de superhéroes. Si el primero fue un período poco visitado (el cine de superhéroes entre 1992 y 2008) y el segundo segmento nos traía al nacimiento de lo que hoy por hoy se ha instalado como canon desde 2012, en esta salida hablamos de las perspectivas del género para los próximos cinco a diez años, es decir, cuando esta era dorada del género cumpla la mayoría de edad. Sobre la primer parte pueden escuchar (y ver) lo que dijimos en este link y sobre la segunda, escuchar en este otro link.

Bajada de línea y subordinación al partido

Normalmente cuando escribimos sobre una película escribimos por y para el lector, por y para nosotros mismos o por el simple hecho de entregarnos a la película misma, que a los efectos prácticos jamás podrá enterarse de nuestros intereses. A veces no nos damos cuenta y nos excedemos en la autoreferencialidad. En otras ocasiones tanta entrega al lector puede agobiar. La declaratoria de amor u odio a la película nos deja en un territorio más neutral. Pero también hay críticas cuyo destinatario no es ni el lector, ni uno mismo ni la película en si, sino una suerte de nosotros inclusivo, ante el cual la crítica funcionaría como validación de pertenencia.

  • Diario cinéfilo
  • Inactualidades

Adiós a Anna Karina

“Modelo. Su modo de ser interior. Único, inimitable”. Decía Bresson en sus Notas sobre el cinematógrafo (1975). Quizás Anna Karina represente como nadie el espíritu de aquel aforismo bressoniano. Porque Karina no actuaba, era más (mucho mas) que eso, era verdaderamente un icono en pantalla. Un icono humano si cabe la expresión. Un icono pansexual como quizás ninguna otra salvo Marlene Dietrich. Al punto de ser admirada tanto por hombres como por también por mujeres que se identificaban con su rebeldía juvenil y sus maneras tan peculiares que siguen suscitando admiración aún al día de hoy). Creadora de un estilo y un dialecto propio. Único, inimitable. Un manifiesto político (en pantalla) de como el cine es imagen viva. Godard encontró en ella a su musa perfecta y al amor de su vida. Condensarla en un rostro es totalmente injusto y un lugar común.

Killer Joe

Qué maravilla que es la libertad cuando se pierde. Hay que ir a buscar a los salvajes, a esos tipos a los que nunca les importó nada eso de llevarse todo puesto con tal de no perder las libertades más indispensables. No, Scorsese de a poco se fue adaptando, Coppola no pudo, Ferrara perdió espacio, De Palma fue marginado como pocos, Bogdanovich terminó resignado a ser un has been. Carpenter casi imposibilitado de filmar. Eastwood, (dentro de los viejitos que comenzaron en los 60s-70s) es el último de los mohicanos? Bueno, hasta hace no mucho era uno de los pocos, junto a ese otro maravilloso viejo libertario que es William Friedkin, quien hasta 2011 logró mantener una cierta vitalidad, que de a poco fue deteniéndose, con su último largometraje en 2017 (The Devil and father Amorth). Con una década del 70 brillante, con una década del 80 excelente, y con una filmografía errática durante la década del 90 (que bien podría hacerse extensiva hasta 2003, con la menospreciada La cacería como cierre de ciclo), los 2000s (o al menos de 2006 a 2012) encontraron a Friedkin con un nuevo aire, pero también con la necesidad de apropiarse de un material que, al menos desde la época de sus primeros films, le resultaba ajeno: el teatro.

  • Dossiers
  • Volver al Futuro

Dossier Estudio Ghibli (XIII): El cuento de la princesa Kaguya

El último largometraje de Isao Takahata abre con la voz en off de la narradora comienza con el elemento fantástico de un descubrimiento, por parte de un humilde y anciano cortador de bambú, que encuentra, dentro de un tallo de ese vegetal a una diminuta niña. El hombre asume este encuentro como un milagro proveniente del cielo y decide decide llevarla a su casa. Rápidamente, la ninfa se transforma en un bebé humano. El anciano decide criarla como si fuera su hija, junto a su esposa. La bebé crece con velocidad y deviene una niña de espíritu libre y feliz que se cría en contacto con la naturaleza y con los hijos de los torneros vecinos. La niña retoza entre la maleza y los arboles, juega con animales y desarrolla una profunda amistad (que con el tiempo devendrá amor) con Sutemaru. Este joven la protege de la intrepidez con que se vincula con la naturaleza, al desconocer la pequeña sus aspectos peligrosos.

Buscando justicia

Suelo llegar tarde a casi todos lados. Es una constante en mi vida. La cuestión es que, para no perder la costumbre, había leído algunas reseñas favorables a esta película pero por esas cosas del trabajo, hijos, esposa, vida en general, se me había hecho imposible ver. Bueno, llegó el fin de semana. Por esos azares que brindan los compromisos familiares me tocó quedarme solo entonces me puse al día. Por algún motivo empecé por Buscando justicia. Todo lo que había leído sobre ella me resonaba a esas películas bienintencionadas sobre juicios malhabidos y condenas injustas. No me pregunten por qué, pero conmigo suele funcionar muy bien eso: En el nombre del padre (Jim Sheridan, 1993) me había afectado bastante al final de mi adolescencia, allá por inicios de los 90. El problema es que estas películas suponen un problema más bien del orden de lo afectivo, de lo emocional, antes que cualquier otra cosa.

  • Otros espacios
  • Cursos

El problema de la propaganda en el cine político argentino (III)

Pensamos la segunda entrega de estas notas extendiéndose hasta 2002. Pero por un motivo de síntesis, extensión y espacio decidimos desarmar la segunda entrega en dos segmentos. Uno que se extendiera de 1990 a 1998 y otro que fuera de 1999 a 2002. Por eso el arranque de esta segunda tanda huele a cierre de algo previo. Partiremos entonces de los mismos conceptos que vertimos en el prólogo de la segunda entrega. Si hacia finales de los 90s comenzaba a producirse un quiebre más claro con las formas del cine de los 80s - la persistencia de las metáforas, del didactismo alegórico- todavía era posible reconocer algunas marcas del costumbrismo estereotipado. Asimismo la década del 70 suguió siendo una obsesión ( tal y como lo mencionamos, para analizar el accionar de las guerrillas como para dar cuenta del período de la dictadura 76-83), pero más en el orden de los resultados o consecuencias que en una necesaria reconstrucción de época. Las biografías con una tendencia a la idealización anticiparían algo del período siguiente, en donde los rasgos humanos tenderían a perderse detrás del retrato hagiográfico (hagiografía= vida de santos), abonando así a la construcción de grandes relatos en torno a los mitos políticos. En el proceso de transformación, de un cambio de época, el mainstream también advierte las necesidades de construir un relato más "comprometido" para un publico masivamente antimilitar y con un rechazo manifiesto a la violencia del estado. En paralelo, el protoprogresismo marcará la agenda que vendrá en el período 2003-2015, con personajes que asumen roles cada vez más maniqueos frente a los males del mundo

Cine club Perro Blanco – Comunidad de espectadores: Trouble Every Day

La décima cuarta película que vimos y trabajamos fue una película notable, que tuvo, increíblemente, estreno local sin demasiada suerte. Por motivos que desconocemos la elección del título de estreno, Sangre Canibal, tampoco ayudó demasiado. Sea como fuere, su directora Claire Denis merece nuestro detenimiento en su rica obra. Y Trouble Every Day es una obra maestra que no podíamos dejar afuera.

  • Lost & Found
  • Cero en conducta

#ElAñoQueVivimosEnPeligro: Una lista de películas curadas para la cuarentena (IV)

Las experiencias extraordinarias no hacen las cosas automáticamente. Invariablemente si no hay un vínculo humano es difícil transitar esas experiencias. A su vez lo extraordinario per se no nos asegura nada sino la salida de la experiencia cotidiana. Por toda esa maraña de sensaciones que se suceden en estas circunstancias como la que nos toca a todos (dependiendo de donde sea el lector es posible que el país de origen haya dictaminado una cuarentena total frente a el creciente contagio del COVID-19), hemos decidido organizar una tanda de salidas con todas las películas que alguna vez recomendamos en nuestras páginas a lo largo de los casi cuarenta números de estos casi tres años de vida. En esas tandas de salida podrán ver el redireccionamiento al link original con la nota o reseña en cuestión y al link de la película con subtítulos. Dado que no todos los lectores poseen cuentas en servicios de streaming entendemos que es un servicio público también hacerlas circular en plataformas en donde los links se encuentren subidos (liberados o no). Les proponemos tandas de a 10 películas con varias salidas, intentando dar un mapa de posibilidades para ver cine mientras se desarrollan estos hechos extraordinarios. Para ponerle menos dramatismo al asunto decidimos citar a la película de Peter Weir y llamar a estas salidas El año que vivimos en peligro. Esperamos que sea mucho menos tiempo que eso. Ojalá disfruten la selección. En este caso les traemos algunas de las películas que programamos en la experiencia del cineclub en el Centro Cultural General San Martín, en el año 2019.

Puesta de cámara (III-IV): La relación de aspecto como encuadre

Tercer Cero en conducta del mes. En este caso con una curiosidad: el análisis del uso de la relación de aspecto (relación de proporción entre el alto y el largo de la pantalla) con el encuadre de una película, como un modo de dinamizarlo. La idea del video es que nos concentremos en el poder expresivo del trabajo sobre el llamado ratio o relación de aspecto para ver, precisamente, que el universo de la puesta de cámara y el trabajo sobre el encuadre puede ser más vasto de lo imaginado. Entren, miren e indaguen: hay más material del que imaginan entre esos cuatro límites.

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